[ENTRETIEN] Yann Gonzalez (Un couteau dans le cœur)

Au vu de l’amour infini que ressent l’auteur de ces lignes pour Les Rencontres d’après-minuit, et ce depuis sa sortie en salles en novembre 2013, pouvait-on espérer ressortir d’Un couteau dans le cœur autrement qu’avec une légère pointe de frustration ? C’était inévitable. Mais ce n’était pas grave : il fallait simplement assimiler notre taux d’espérances comme étant peut-être trop élevé, admettre que passer après un film dont on a pu tomber amoureux ne risquait pas de générer un coup de cœur aussi fort, et faire preuve de circonspection avant de rencontrer ce précieux cinéaste. Un cinéaste on ne peut plus fidèle à sa réputation : jovial, souriant, cordial, d’une infinie gentillesse et toujours enclin à nous inviter à pénétrer les zones les plus surprenantes de son propre travail. Au vu d’une avant-première lyonnaise qui faisait suite à la réception controversée du film en compétition cannoise, cette « rencontre d’avant-minuit » nous paraissait immanquable.

Courte-Focale : Si Les Rencontres d’après-minuit était comme une bulle légère qui flottait autant qu’elle invitait son spectateur à flotter lui-même, Un couteau dans le cœur s’avère plus radical, plus frontal dans son ton et son approche stylistique. Est-ce qu’à travers ce deuxième long-métrage, ton objectif était de transcender un peu les choses, peut-être même d’avancer « contre » le premier film ?

Oui, il y a sans doute de cela. Je pense qu’on fait toujours un film contre le précédent. C’est vrai que j’avais envie de quelque chose de plus électrique, de plus urbain, de plus éclaté aussi. Pour reprendre ton image de la bulle, il s’agissait de faire en sorte que la bulle se déploie, en quelque sorte. Mon premier film construisait un petit univers préservé, dans lequel j’avais un peu tendance à maîtriser toutes les cartes du jeu. Mais là, j’avais envie de prendre plus de risques, d’être sur un terrain moins connu, moins balisé si l’on veut, histoire d’aller aussi un peu à l’encontre de moi-même. D’ailleurs, je me souviens qu’ici-même à Lyon, Bertrand Tavernier était venu voir Les Rencontres d’après-minuit à 22h, et juste après, j’avais reçu de sa part une vraie leçon de cinéphilie. Il m’avait dit : « Bon, votre film, c’est très bien, mais maintenant, il faut sortir un peu de vous-même ! ». Du coup, cela répond un peu à ta question. Avec ce second film, j’ai pu enfin sortir de moi-même, aller à la rencontre de ce personnage principal [NDLR : joué par Vanessa Paradis] et explorer énormément de territoires qui n’étaient pas forcément les miens au départ. Même si, en fin de compte, il y a ici des couleurs que je connais très bien en tant que cinéphile, et que j’avais très envie d’explorer en tant que cinéaste, que ce soit le cinéma fantastique, les codes du thriller, le cinéma de genre italien, sans oublier une vraie histoire d’amour mélodramatique.

Et en même temps quelque chose de très ancré dans les années 70, n’est-ce pas ?

Le film se déroule à la charnière des années 70 et 80, mais il m’apparaissait important de tricher un peu, d’essayer de déborder à la fois sur le mi-temps des années 70 et sur le tout début des années 80, qui constitue une période beaucoup plus pop avec laquelle le film flirte un peu. L’année 1979 me semblait idéale comme repère temporel, d’abord parce qu’elle précède l’arrivée du sida, ensuite parce qu’il y avait là une bulle d’hédonisme qui n’aurait pas été possible au milieu des années 80.

Par rapport à la période, tu fais référence dans le film au giallo et à son esthétique, ce qui crée une connexion : on est à une époque où le porno gay est à son apogée et où le giallo va peu à peu s’éteindre au cours des années 80. Cette idée d’évoquer deux genres marginaux qui vont connaître des difficultés durant cette période était-elle un choix délibéré ?

Il faut dire qu’en 1979, c’était surtout le moment où les salles de cinéma porno gay étaient en train de cartonner. Et c’est d’ailleurs une période à laquelle la productrice de porno gay dont je me suis inspiré pour écrire le personnage d’Anne a appartenu. Du coup, non, je n’ai pas eu envie de travailler sur cette idée du déclin d’un genre en particulier. J’avoue que cela ne m’a pas traversé l’esprit, que ce soit pour le giallo ou le porno gay. Bien sûr, avec mon coscénariste, on savait qu’on flirtait avec ça, mais on n’a pas écrit le scénario en s’inspirant ouvertement de scènes d’un giallo… Enfin si, la seule dont on se soit vraiment inspiré est tirée de L’éventreur de New York de Lucio Fulci : il s’agissait d’une scène de séduction entre une femme en imperméable un peu exhibitionniste qui arrive dans un bar avec des mauvais garçons latinos, et on voyait ensuite un échange très sexuel entre eux. Je me suis inspiré de cela pour la fausse séquence du commissariat, c’est-à-dire pour ce film porno qui se passe dans cette espèce de commissariat très cheap. A part ça, on ne peut pas dire qu’on a réfléchi au giallo en tant que tel pendant l’écriture. On s’est vraiment laissé emporter par les personnages, et ce sont eux qui ont défini notre trajectoire. On ne voulait pas faire un film « méta » qui réfléchisse trop sur le cinéma. On avait vraiment envie de rester dans quelque chose de très organique et pas du tout fétichiste.

En même temps, ce côté « méta » reste présent malgré tout dans la structure narrative, puisque tu juxtaposes souvent une partie réelle et sa déclinaison fictionnelle, notamment dans la scène de l’interrogatoire de Vanessa Paradis au commissariat qui est suivie par sa relecture parodique en porno gay. La réalité et la fiction sont ainsi perpétuellement mises en parallèle, pour ne pas dire fusionnelles…

Ça, c’est la vie qui déborde du cinéma et le cinéma qui déborde de la vie, en effet. Mais il n’y a pas de regard théorique là-dessus, je ne cherche jamais à regarder tout cela « en hauteur ». C’est davantage un cinéma qui se confond avec la vie, un cinéma qui se vit… et qui se « vibre », j’ai envie de dire ! (rires) Tout résidait dans le fait de saisir comment les affects traversent les images du cinéma, dans le fait d’essayer de recouvrir quelqu’un par le biais du cinéma, dans le désir d’intégrer du sentiment dans la pellicule.

© Ella Herme

Par ailleurs, le personnage de Vanessa Paradis est inspiré d’un personnage qui a vraiment existé, le cinéma Le Far West a lui aussi réellement existé, et au final, on a beaucoup de choses réelles qui circulent dans une pure fiction. Comment as-tu travaillé pour obtenir un équilibre adéquat entre réalité, rêverie et fantasmes ?

Je dirais que ce sont avant tout des jeux. On part de choses un peu mythiques qui, d’une certaine façon, appellent au fantasme. Le Far West, je ne l’ai pas connu parce que j’étais trop jeune à l’époque, mais en même temps, son nom et son statut de cinéma porno suffisent à me faire rêver et fantasmer. A partir de là, on peut ainsi imaginer toute une mythologie et tout un tas d’histoires. C’est donc un jeu à part entière : prendre des noms à partir de lieux qu’on n’a pas forcément connu et en faire autre chose afin de l’amener sur notre propre terrain de l’imaginaire. Du coup, l’équilibre entre la réalité et le fantasme que tu évoques, on n’a même pas cherché à le créer ou à le maîtriser. On allait parfois puiser dans des éléments du réel pour y ramener de l’imaginaire, et ces petits éléments allaient ainsi permettre de rendre le film encore plus délirant.

Tu évoquais le fait que le personnage d’Anne était inspiré d’un personnage réel. Peux-tu nous en dire plus ?

En fait, Anne est inspirée d’un personnage de productrice de porno gay de l’époque qui avait une relation amoureuse avec sa monteuse. On s’en est donc inspiré pour suivre cette idée selon laquelle les affects puissent traverser les images, histoire de montrer comment l’amour et le cinéma peuvent être totalement liés. Mais je n’ai pas fait d’enquête à proprement parler sur la véracité des faits, et je ne voulais pas le faire. Par exemple, je ne sais absolument rien en ce qui concerne la vie de la monteuse, et toutes les deux sont mortes depuis vingt ans. On a donc tout inventé et tout romancé à partir de pas grand-chose.

Sur les codes du cinéma de genre, notamment le giallo, il y a cette façon d’exhiber et de déshabiller les actrices. Dans ton film, il y a déjà le désir de retourner ce code du genre vers le masculin, mais aussi de revisiter l’idée du travestissement d’une façon très opposée à celle de Brian De Palma sur Pulsions ou d’Alfred Hitchcock sur Psychose, puisqu’il s’agit d’une vision positive et non plus négative…

Oui, on peut le lire comme ça. Je trouve que le film reste très pudique sur la nudité masculine, on ne voit pas grand-chose à l’écran. Je ne trouve pas le film si érotique que ça, à vrai dire. Je suis quelqu’un d’assez pudique dans la vie, et pour moi, le désir de filmer un acteur est à distinguer du désir sexuel. Je n’ai pas de désir sexuel sur un plateau de cinéma : il s’agit d’un pur désir de cinéma, certes érotique mais qui se manifeste autrement. Et puis, j’ai toujours peur – peut-être que ça changera dans les années qui viennent – d’utiliser les acteurs comme des vecteurs érotiques. Certes, c’était super plaisant dans les gialli de l’époque, devant lesquels voir un film pouvait aller de pair avec le fait de se rincer l’œil. Je n’avais cependant pas envie de jouer avec ces codes érotiques, ni même de déshabiller frontalement mes acteurs, même s’ils semblaient parfois plus à l’aise que moi ! J’avais envie au contraire de détourner la sexualité des pornos pour l’amener vers la joie et vers l’artisanat de ce genre parfois absurde, au détriment d’un quelconque renversement des figures masculines et féminines. Quant au travestissement, je tenais à en faire un objet d’hédonisme, de liberté sexuelle. Même chez quelqu’un d’extrêmement ouvert comme De Palma, ça reste quelque chose de négatif, de pervers. Alors qu’ici, Nicolas Maury passe de façon tellement simple et aérienne d’une identité masculine à une identité féminine qu’on a envie de suivre cette folie et cette liberté. Cela dit, tout cela n’est pas réfléchi. Dans la vie, je suis entouré sans cesse de gens qui jonglent entre les identités, qui sont même transgenres pour certains, et je veux en donner une image naturelle et lumineuse, surtout pas misérabiliste ou victimisée. Alors, bien sûr, il faut quand même rester fidèle à l’époque : si je filme un personnage transgenre en 1979, ce sera une travailleuse du sexe. Mais ce personnage très transformiste de Nicolas est là pour jouer avec les identités et injecter de l’humour, un peu comme si ces personnages n’hésitaient pas à rire d’eux-mêmes.

© Ella Herme

Ton casting regroupe des habitués de ton cinéma (Kate Moran, Nicolas Maury, Julie Brémond…), des personnalités très familières de ton univers comme Bertrand Mandico, et des figures connues de la culture gay comme Jacques Nolot. Du coup, pourquoi avoir fait en sorte que le personnage central de cette « galaxie » soit interprété par une actrice très populaire ?

De par son aura, je trouve que Vanessa Paradis contribue à faire rayonner ce petit monde underground qui l’entoure. Le choix d’une star pour jouer ce personnage me semblait très important, ne serait-ce que pour faire sortir tous ces personnages marginaux de là où on tend à les isoler et de mettre cette marge en pleine lumière grâce à elle. C’est aussi une manière pour moi d’aller à l’encontre de ce compartimentage des artistes, qui ont tendance à être trop souvent enfermés dans des cases sans réellement pouvoir en sortir. Je pense que sur mon premier film, j’ai été un peu mis dans la case « ovni underground », et avoir quelqu’un comme Vanessa dans mon film me permettait ailleurs. Même si, en définitive, le film conserve une certaine bizarrerie, malgré tout… (sourire) Vanessa a déjà tourné elle aussi dans des ovnis, notamment Atomik Circus des frères Poiraud ou Dubaï Flamingo de Delphine Kreuter. Mais elle dégage une telle aura de star et une cinégénie si hallucinante que je la savais capable de donner une nouvelle ampleur à mon travail.

On sait que le public LGBT/queer se construit énormément avec le cinéma d’horreur, notamment le thriller ou le film de sorcellerie. On sent que ton film restitue une présence des freaks et du courant queer au sein du cinéma d’horreur, mais comment se fait-il qu’il y a eu jusqu’ici très peu de représentation de cela dans ce cinéma-là ?

Je pense qu’il y a eu un phénomène de niches qui s’est mis en place. Je peux prendre pour exemple le cas de David DeCoteau, qui s’est spécialisé dans le tournage de films d’horreur américains avec de jeunes éphèbes à moitié à poil, et dont les films homo-érotiques n’étaient alors destinés qu’à une cible précise. C’était le genre de film qui sortait directement en DVD, pour un public précis, sans avoir de vie dans les salles de cinéma. Sur Un couteau dans le cœur, je souhaitais me frotter aux codes du cinéma de genre des années 70, qui était très populaire et qui remplissait les salles, tout en y essayant d’y amener cette frange un peu délaissée par le cinéma en général.

Ce qui est aussi très beau dans le film, c’est ta façon de montrer le monde du cinéma porno et surtout comment tu intègres dans l’Histoire du cinéma ce porno 70’s qui était au fond très hédoniste…

En fait, je ne fais pas de hiérarchie entre les films. Il peut y avoir des choses superbes dans un porno, qui peuvent parfois être aussi fortes qu’un plan chez Bresson. Du coup, pourquoi ne pas se laisser cueillir par une émotion qui va surgir d’un porno, que ce soit par un raccord, par un plan qui va être sublime, par un visage qui va traverser l’écran ou par un cadre de cinéma qui va faire fantasmer ? Après, peut-être que dans les pornos, il y a plus de déchets qu’ailleurs, mais il y a aussi des perles méconnues, des petits trésors que l’on prend plus de plaisir à découvrir parce qu’ils ont été un peu enfouis, engloutis et laissés dans la marge. Je pense que c’est une manière pour moi de redonner une valeur et une beauté à ces films qui en regorgent. D’autant que ces films ont révélé de grands chefs opérateurs comme François About, qui avait éclairé la plupart des pornos gays de l’époque et qui a malheureusement été cantonné à ce genre-là. Il faut dire qu’à l’époque, c’était très difficile de passer du porno au traditionnel. En outre, pour la petite histoire, c’est lui qui a formé sur ces films pornos le chef opérateur très connu de Luc Besson… dont le nom m’échappe…

Thierry Arbogast ?

Oui, voilà ! C’était l’assistant de François About.

Et justement, dans ton film, le personnage du chef opérateur s’appelle François Tabou !

Oui ! (rires) Même si je n’aime pas le mot « clin d’œil », là pour le coup, c’en est un pour rendre hommage à François, qui est toujours vivant et qui est quelqu’un d’extrêmement doux et chaleureux. D’ailleurs, cela m’amusait beaucoup que ce personnage soit joué dans le film par Bertrand Mandico…

… qui tourne en pellicule comme toi !

J’ai beaucoup de mal à imaginer mes films en numérique. Je n’arrive pas à m’y faire. Mon seul regret aujourd’hui, c’est qu’on n’ait plus d’argent pour faire une copie 35mm du film. J’adorerais qu’il soit projeté en pellicule. On en fera une sans doute dans quelque temps, si c’est possible. Mais voilà, aujourd’hui, il manque la vibration, le côté organique de la pellicule argentique qui fait vraiment partie de la magie du cinéma. Je pense qu’en laissant cela de côté, on a vraiment perdu quelque chose. Avec l’argentique, je peux être sur plein de terrains, notamment celui de l’esthétique. La manière dont les acteurs sont filmés aujourd’hui ne me plait pas, parce qu’il y a quelque chose de très dur dans la façon de filmer la peau, comme s’il fallait voir le moindre pore de la peau. Moi je m’en fous, je veux juste que mes acteurs soient beaux et je n’ai pas du tout envie d’aller chercher un point noir sur le visage d’une actrice. J’ai envie de lumière, de grain, de vibration… Ah d’ailleurs, si vous regardez l’affiche du film, j’ai été jusqu’à demander à ma photographe de plateau de ne travailler qu’en argentique, et du coup, on se retrouve avec une affiche très 70-80’s avec un grain qui remonte à la surface quand on agrandit l’image.

© Memento Films

Comme dans Les Rencontres d’après-minuit, on ressent là encore l’influence de Jean Rollin. C’est d’ailleurs la deuxième fois où tu filmes une scène qui prend place dans un cimetière. Est-ce là une sorte de friandise cinéphile ?

C’est un goût purement cinéphile, oui. Mais c’est surtout un cinéaste français important et très inspirant pour moi, qui a jonglé avec tous les genres et qui a été l’un des premiers à frayer avec le fantastique. Il a fait des films de vampires, il a popularisé les femmes vampires. Il y avait un érotisme féminin très présent chez lui, de même qu’un goût de l’absurde et du surréalisme. Et j’y retrouvais une science des raccords et des sauts temporels qui me semble encore aujourd’hui incroyable. Je pense à des films comme Le Frisson des Vampires ou encore La Rose de fer, qui se passe intégralement dans un cimetière et qui est l’un de ses chefs-d’œuvre. Mais c’est un cinéaste qui reste mal aimé, parce que ses acteurs ont un jeu très distant, parfois même maladroit. Il n’est pas apprécié à sa juste valeur en France alors qu’il est ultra culte en Angleterre et aux Etats-Unis. D’autant que ses derniers films ont été faits avec beaucoup de difficulté, avec de tous petits budgets, et cela se ressent hélas. Mais il y a malgré tout une beauté folle qui émane de ses films. Je pense à ce film inouï qu’est La Nuit des traquées avec Brigitte Lahaie, dont l’action se situe dans les tours de la Défense. Rollin y déploie un sens de l’architecture et de l’urbanisme qui amène le film vers une modernité et une poésie incroyable. C’est un film magnifique sur des personnages qui oublient leur passé au fil du film, qui ne se souviennent plus de ce qu’ils ont fait la minute d’avant, et qui sont tout le temps perdus, flottant dans ces grands espaces urbains de la Défense. C’est bourré de fulgurances poétiques et plastiques, avec de très belles séquences de nuit et un sens du cadre assez dément.

Autre exemple de décor hallucinant dans le film : ce bâtiment pyramidal qui m’a tout de suite fait penser à ces décors assez biscornus et surréalistes qui peuplaient parfois les films de Jess Franco, autre cinéaste marginal qui œuvrait pour un cinéma de genre plastiquement audacieux…

Oui, c’est là encore un cinéaste qui était inégal, mais dont le cinéma regorgeait d’idées visuelles et plastiques. Du cinéma qui était jugé « impur », et moi, l’impureté m’intéresse beaucoup au cinéma… Mais bon, peut-être qu’on va parler un peu d’autre chose que de références, non ? (rires)

© Ella Herme

La musique est là encore très importante dans le film, mais a contrario du film précédent, elle m’a semblé très différente dans l’orientation, peut-être moins portée sur une musique électro proche de celle des années 80. Comment as-tu travaillé avec ton frère [NDLR : Anthony Gonzalez, leader du groupe M83] pour construire cette bande originale ?

Je lui ai donné plusieurs pistes – pas des pistes de chansons, mais des orientations ! Il y avait déjà des mélodies de porno composées sur un synthétiseur, qui créaient une sorte de ritournelle que je trouvais très belle. Et à côté de cela, j’avais en tête une musique plus classique, un peu à l’image de celles qu’Ennio Morricone avaient composées à l’époque pour des gialli. A partir de là, je donnais une certaine liberté à Anthony et à son partenaire de jeu Nicolas Fromageau – qui faisait partie de M83 sur les deux premiers albums et qui est revenu sur ce film-là –, mais dès le départ, je pensais déjà à l’envie de remettre en avant l’idée d’un thème principal. C’est quelque chose qui a un peu disparu depuis dans les bandes originales de film, et je souhaitais avoir un thème musical qui soit décliné sous différentes formes dans le film : une forme sentimentale, une forme horrifique, une forme triviale, etc… Il y a donc ici un thème de ce genre dans le générique de fin, et qui revient à plusieurs endroits du film, notamment dans la séquence de meurtre dans la forêt ou dans la bande-annonce du film De sperme et d’eau fraîche qui révèle la clé du mystère. Anthony et Nicolas se sont beaucoup amusés à décliner ce thème sous toutes les formes possibles. Et je pense que ce principe de plaisir qui régissait le tournage a fini par contaminer la musique. Au départ, Anthony était un peu crispé au départ : il n’arrivait pas à trouver l’essence du film. Mais dès qu’il a trouvé le thème, il s’est lâché et il a pris beaucoup de plaisir à plonger dans des courants musicaux qui n’étaient pas les siens au départ.

Il y a aussi une manière de montrer la violence, des choses qui peuvent être dures, glauques et meurtrières. Par exemple, la première scène fait penser à Cruising de William Friedkin, et tu dérives alors vers quelque chose de plus onirique. Est-il important pour toi de montrer cette violence non pas de manière frontale mais plutôt poétique ?

Disons qu’on est dans une époque tellement dure et violente que ça passe presque pour un contrepoint d’oser montrer une certaine gourmandise dans la violence et d’y mettre quelque chose de sucré, de sexuel. Mais c’est quelque chose qui a traversé tout le cinéma que j’aime : celui de Mario Bava, de Dario Argento ou encore de Brian De Palma, où l’érotisme reste sans cesse lié à la violence. Pour moi, c’est vraiment une façon d’emmener la violence du côté du cinéma, du côté des images à l’état pur, presque comme un contrepoison aux images crues de violence que l’on subit tous les jours. Avoir une violence stylisée, c’est comme créer une catharsis de la violence qu’Internet et la télévision nous mettent sous les yeux. La violence dans le cinéma permet en quelque sorte de se consoler de la violence quotidienne. Mais ça reste une consolation trouble, malgré tout ! (rires)

Etait-ce pour créer cet effet de consolation que tu avais imaginé cette scène finale qui prend place sur le générique de fin ? Juste avant, la résolution de l’intrigue avait des accents de tragédie et accentuait le côté sombre des destins des personnages, et là, tu finis le film sur une note plus positive, plus lumineuse…

L’avant-dernière scène du film n’est pas si sombre que ça : elle est d’abord du côté du conte, elle montre surtout des images de bonheur amoureux, et elle est racontée comme une histoire que l’on raconterait à des enfants. Pour moi, cette scène finale relève vraiment de la coda : c’est un moyen de dire adieu à mes personnages et à mes acteurs, et de les accompagner jusqu’au générique, tout en laissant échapper une note d’espoir à travers cet échange de regards entre Nicolas Maury et Vanessa Paradis. On part du noir pour aller vers quelque chose de plus lumineux, afin de fuir cette obscurité et même cet obscurantisme qui est celui de notre époque. Que le film se termine sur un sourire était très important pour ne pas laisser le spectateur face au gouffre. Quant à l’apparition de Kate Moran juste avant, c’était pour montrer les morts qui reviennent hanter les vivants et le cinéma. Cela reflète ma croyance absolue dans le cinéma, dans sa capacité médiumnique de faire apparaître des morts et des fantômes.

© Ella Herme

Que retiens-tu de l’expérience cannoise du film ?

D’abord une grande joie, vite teintée de surprise. J’étais déjà très surpris d’être sélectionné en compétition, vu qu’il s’agit quand même d’un film assez particulier. Je pense que le film a suscité encore plus de débats et de réactions divisées que Les Rencontres d’après-minuit parce qu’il était encore plus mis en lumière. Au départ, j’ai assez mal vécu la lecture des premières critiques, mais en y réfléchissant, je me suis dit que c’était quand même incroyable d’être là, et je ne remercierais jamais assez Thierry Frémaux d’avoir fait ce geste. Je pense que c’est une victoire quoi qu’il arrive, parce que ce « monde de la marge » que le cinéma français ne montrait que trop peu était tout à coup surexposé. Le film en devenait presque politique. J’avais l’impression de monter les marches avec mon armée queer autour de moi ! (rires) C’était un geste fort que j’avais envie d’assumer parce que cette liberté sexuelle était en pleine lumière. Je trouvais ça fantastique de la part de Thierry Frémaux de permettre ça. Et puis, Un couteau dans le cœur reste un film très libre : ce n’est pas un film à sujet, encore moins un film social, mais c’est un film qui travaille les désirs et les pulsions de cinéma, avec une forme sur laquelle on s’est tout autorisé avec mon coscénariste et mon équipe technique. Que cette joie de créer quelque chose de libre se soit retrouvée en bout de course au festival de Cannes, c’était une très belle récompense.

Propos recueillis à Lyon le 8 juin 2017 par Guillaume Gas. Un grand merci au cinéma Comoedia, ainsi qu’aux journalistes Vincent Nicolet & Jean-François Dickeli de Culturopoing et Ivan Mitifiot d’Ecrans Mixtes, dont la plupart des questions ont été reprises ici.